Galería de arte Pulvis
En Pulvis nos esforzamos por crear formas que resistan el paso del tiempo.
Creemos que la perseverancia ante lo fugaz sienta las bases del arte en todas sus manifestaciones. Así, una obra de arte es testimonio de la valentía y la capacidad de resistir la finalidad. Sin embargo, resistir la finalidad no significa intentar superarla, sino buscar y capturar su belleza evanescente en la forma. Una imagen, una escultura, una melodía, un gesto, una palabra…
Con estas intenciones, el equipo de Pulvis creó una exposición cuidadosamente seleccionada de obras que comparten nuestra comprensión de la esencia y el propósito del arte. Desde esculturas y óleos hasta litografías y fotografías, esta galería recién fundada es el primer paso hacia la creación de un espacio multifacético que represente nuestro ideal de cuidar el espíritu humano.
Creemos que el arte es un gran consuelo y que a través de él se puede encontrar la humildad necesaria para superar los muchos obstáculos de la vida.
Es con orgullo que les presentamos la Galería Pulvis, donde podrán sumergirse en texturas, colores y perspectivas y encontrar ese delgado hilo plateado que traza el camino del alma hacia el sublime horizonte de la verdad.
"NIÑO"
Nikolay Abrashev
Lágrimas, lágrimas ociosas, no sé qué significan,
Lágrimas de lo profundo de alguna desesperación divina
Sube al corazón y reúne a los ojos…”
Alfred Lord Tennyson
Nikolay Abrashev se inspiró en el fauvismo,
Expresionismo, cubismo y futurismo para crear su singular lenguaje artístico. Para el
El retrato que se presenta aquí de una madre amamantando a su hijo es un ejemplo
Una pieza del talento de Abrashev para reimaginar las complejas técnicas utilizadas por algunos de
Los movimientos modernistas esenciales que moldearon las espirales de incertidumbre de una
época atrapada entre dos guerras mundiales.
Así, a medida que el ojo descifra esta obra, compuesta de varios
formas geométricas de color pulsante y bordes afilados que marcan la superficie del lienzo,
Se enfrenta a un proceso de deconstrucción radical de la imagen. O a
Dicho de otro modo, el espectador se enfrenta al contenido emotivo de la obra de Abrashev.
trabajo, que puede describirse como una sensación de tectónica casi insoportable
fricción, de una disonancia constante de la forma y su representatividad
posibilidades.
Además, el trabajo
No le da al ojo una sensación de lugar, una sensación de dónde están la madre y el niño.
son. Es precisamente por eso que la tensión y la disonancia logran
formulando la declaración radical y trascendental de la obra. Es un mensaje a un mundo que...
se ha vuelto incapaz de confinar la realidad en categorías racionales claras, es decir, espacios.
Un momento histórico desprovisto de humanidad, de esas suaves caricias maternales que pueden
recoge piadosamente los pedazos rotos del Ser y nutrirlo de nuevo hasta la armonía.
"Blanco"
Kiril Yakimov
El blanco… no es una mera ausencia de color; es algo brillante y afirmativo, tan intenso como el rojo, tan definido como el negro… Dios pinta con muchos colores; pero nunca pinta con tanta magnificencia, casi diría con tanta vistosidad, como cuando pinta de blanco.
Gilbert Keith Chesterton
Una espesa pintura blanca cubre y realza la exquisita superficie negra cenicienta.
del lienzo creando una figura amorfa, pero sugerente, que lentamente
se desintegra en una llovizna de alabastro que fluye hacia abajo, hasta los mismos bordes de
el marco. Es como si la imagen misma, esta forma formada en lo que parece
ser una salpicadura espontánea de látex puro, se resiste lánguidamente a ser confinado
dentro de los límites de la composición oscura y sombría de la pintura. En cierto sentido, Kiril
Yakimov le ha dado a la pintura blanca la libertad de desafiar su propia visión artística.
Como ocurre con todo arte abstracto que impacta de forma extraña, el artista ha dejado espacio para lo
Los materiales mismos, en cierto sentido, “hablan” y se orientan libremente.
dentro del espacio estético que ha creado. La extraña imagen, resultante de
La interacción libre entre la pintura y el lienzo es sutil y
recuerda extrañamente a un retrato o incluso a un icono. Esta misteriosa figura,
velado en blanco, parece fantasmal e inescrutable, pero el espectador estará
Me cuesta mucho deshacerme de la extraña sensación de que hay algún secreto, o
Un significado más profundo se esconde tras ese color denso y cremoso. Sin embargo, en realidad...
No hay nada debajo, ningún enigma ni revelación. Nos queda solo el
Presencia casi brutal, impenetrable, de la pintura blanca que indiscriminadamente
Cubre y transforma todo a su paso. Es como si la luz no solo ganara
sobre la oscuridad, la consume y la aniquila: una lección ominosa que da
La pintura de Yakimov no sólo tiene una dimensión inquietantemente apocalíptica, sino también
La calidad didáctica intensamente cautivadora de una parábola largamente olvidada.
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Alexander Balkanski
El toque de un misterio infinito trasciende lo trivial y lo familiar, transformándolo en una música inefable… Los árboles, las estrellas y las colinas azules duelen con un significado indescriptible.
Rabindranath Tagore
Esta cándida pintura evoca una simplicidad desconcertante que seduce y centra la mirada del espectador utilizando únicamente las figuras visuales más minimalistas, sencillas y esenciales: el círculo y la línea. Alexander Balkanski ha dejado un amplio espacio donde su cautivador patrón de formas concisamente dibujadas puede destacarse con plenitud y firmeza sin perderse en un paisaje abstracto más grandioso. La impactante concisión de la obra se ve amplificada por el papel de dibujo, crudo y opresivamente blanco, cuyos bordes irregulares delimitan un marco inestable y deliberadamente precario. Este entorno desgarrado, árido y lechoso permite que las diversas inflexiones formales del negro y el azul destaquen y atraigan la mirada. Y en cuanto a la estructura y composición de estos diversos patrones monocromos, la pintura deja meridianamente claro que Balkanski posee un profundo conocimiento de la dinámica y el funcionamiento interno de la forma y de cómo se pueden expresar e ilustrar con astucia. Por ejemplo, podemos observar cómo utiliza la pintura negra para desarrollar un estudio breve, pero convincente y preciso, de la anchura y el grosor, y cómo su modulación afecta la fuerza, el impacto y la presencia de las líneas y puntos esparcidos por el lienzo. Al mismo tiempo, Balkanski ha optado por complicar este examen contemplativo de diferentes modos formales y pinceladas, centrando toda la experiencia artística en el llamativo círculo cian central. Esta inspirada decisión estética confiere a la obra una cualidad casi mística y trascendente que nos recuerda que el arte abstracto, por muy formalista que sea, siempre se preocupa ante todo por lo inefable: la plegaria apasionada y lastimera del hombre. Quizá no podamos traspasar el velo del rostro desolado de la figura e inferir a qué se refiere exactamente su súplica silenciosa, pero la forma en que su cuerpo encorvado y sus hombros cóncavos se contorsionan nos permite sentir la carga que lleva cansadamente sobre su espalda. De esta manera, la escultura expresa una sensación de completa entrega y abandono ante un desafío que es insuperable sin la gracia y la compasión de algo trascendente.
"Oración"
Lubomir Dalchev
La función de la oración no es influir en Dios, sino
más bien cambiar la naturaleza de quien ora.
Sören Kierkegaard
La sorprendentemente cruda escultura de cerámica de Lubomir Dalchev evoca al espectador una piedad sin el cuerpo de Cristo a los pies de la desconsolada Virgen María. Con esto en mente, podríamos estar presenciando la representación pura del duelo de una madre desconsolada o simplemente, como sugiere el nombre de la pintura, la oración apasionada y lastimera de una mujer. Quizás no podamos penetrar el velo del rostro desolado de la figura e inferir a qué se refiere exactamente su súplica silenciosa, pero la forma en que su cuerpo encorvado y sus hombros cóncavos se contorsionan nos permite sentir la carga que lleva cansadamente sobre su espalda. De esta manera, la escultura expresa una sensación de completa entrega y abandono ante un desafío insuperable sin la gracia y la compasión de algo trascendente.
Es interesante señalar que las manos de la mujer no están extendidas hacia adelante ni hacia el cielo, como cabría esperar de una representación más banal de una oración apasionada. Al contrario, se extienden flácidamente hacia el suelo, signo de total resignación y fragilidad. Es más, su figura rojiza está deliberadamente alargada para acentuar lo difícil que es arrodillarse humildemente y rezar cuando hay tanto dolor. Siempre existe la tentación de anteponer el orgullo a la humildad, de mantenerse firme ante la desesperanza, pero la escultura de Dalchev nos muestra que hay fuerza en pedir ayuda, en entregarse a algo más grande.
“Retrato de Adele”
Bencho Obreshkov
El deseo del hombre es para la mujer, pero el
El deseo de la mujer es el deseo del hombre.
Señora de Stael
Con reminiscencias de "Mujer con sombrero grande" de Kees Van Dongen, la pintura de Bencho Obreshkov es un retrato de una intimidad oscura que crea una atmósfera sensual y tácitamente seductora que atrapa al espectador de inmediato. El uso casi fauvista de colores fuertes y contrastantes se ve socavado de forma seductora por los negros densos que contornean el fondo expresionista y oscuro. La mirada del espectador se ve envuelta en un manto de sombras sensuales que realzan de forma cautivadora los rojos profundos y sugerentes de los labios y el suéter de la enigmática mujer. El sombrero color aguamarina es lo único en la composición que contrasta con los tonos oscuros y almibarados que, de otro modo, abrumarían la pintura, dándole un aire demasiado explícito, incluso decadente.
Al centrar la disposición de la obra en este tono azul más frío y nítido, se permite que florezca una cierta sensación de ambigüedad amorosa y de distanciamiento juguetón, lo que hace que la obra en su conjunto sea más compleja y equívoca. El equilibrio que Obreshkov ha logrado entre la representación de las pasiones submarinas y la frialdad exterior se ve subrayado por el hecho de que la mujer mira de reojo de forma juguetona, pero a la vez distante. Este cautivador juego de sombras densas, colores de marcado contraste y sutiles expresiones faciales es lo que convierte al "Retrato de Adele" en un intento intrincado y sofisticado de retratar cómo el gélido retraimiento de un objeto deseable puede, paradójicamente, realzar su atractivo.
"Sed"
Boryana Petkova
"Con sed de una inteligencia segura,
Y harto de otra pasión, seguí
Una naturaleza superior…”
Woodsworth
“Sed” de Boryana Petkova es una meditación austera sobre el deseo y
oración. En la superficie, la pintura simplemente representa un par de figuras robustas,
manos extendidas, suplicantes y ansiosas de recibir un sorbo fresco y reparador de
agua. Sin embargo, a un nivel más profundo, la obra de arte puede interpretarse metafóricamente.
no sólo desde la perspectiva de una simple necesidad biológica, sino también a través de la
lente de una sed existencial por algo más esencial y profundo. Esto
Puede ser cualquier cosa, desde el amor hasta la armonía, o desde la paz hasta la alegría. De hecho,
La pintura no se ocupa de la forma concreta de nuestros deseos más profundos, sino
con nuestra relación con lo que las estructura: la falta misma. Petkova ha logrado
para capturar todo el drama del anhelo, de la espera paciente y la oración por el
aparición de algo que pueda saciar nuestra sed de verdad
satisfacción.
"CONTEMPLAR"
Kiril Yakimov
"Un creador es alguien que crea sus propias imposibilidades y, con ello, crea posibilidades".
G. Deleuze
Hay una pregunta básica que impulsa la mayoría de las obras de Yakimov y les da su atractivo específico, el que uno experimenta cuando se enfrenta a tales pinturas abstractas.
Se trata de la interacción constante, a veces extraña, entre el fondo y el primer plano que fundamenta el deseo creativo de Yakimov. Y el caso de "Contemplate" no es diferente. Incluso el título de la obra lo sugiere. Se invita al espectador a contemplar, pero no hay objetos que contemplar. En la superficie solo hay inicios dispersos. Trazos que no conducen a ninguna parte, una línea abruptamente terminada como si solo marcara una posible frontera, una mancha blanca y cansada, gotas de pintura roja y negra que crean un patrón nervioso, precisamente de la ausencia que ha capturado la obra.
Pero esto es sólo la superficie.
A medida que la estimulante orden del título invita a la mente a seguir explorando la pintura, se empieza a ver el fondo sobre el que se disponen cuidadosamente los pinceles, puntos y manchas dispersos. En realidad, es la foto de una pared que alberga los intentos dispersos de la mano de Yakimov. Una extraña ampliación que revela las inconsistencias, las fracturas de una superficie. Sin embargo, es la precisión del ojo mecánico que captó las imperfecciones de la pared y las transformó en una superficie para pintar, lo que revela el significado de "Contemplar". Así, la obra de Yakimov se revela como una experimentación con las posibilidades del arte para crear dobles de extraña belleza: una foto de la superficie, que sirve de superficie para una posible obra de arte.
“Contemplate” es un desafío que dirige la atención del espectador hacia las ilusiones ópticas y el juego de fondos y entornos en los que se inscriben las personas. Es una obra que nos recuerda la búsqueda constante de diferencias, matices y hermosas inconsistencias.
"Presagio y Oráculo"
Stoyan Tsanev
Su extrañeza se debe, podríamos decir, a su propia realidad, al hecho mismo de que existe. El cuestionamiento del Ser es una experiencia del Ser en su extrañeza.
E. Levinas
“Presagio y oráculo” de Stoyan Tsanev es una exhibición virtuosa de su habilidad para extraer imágenes ricas y plantear preguntas esenciales sobre las condiciones del ser.
Aquí la aproximación de Tsanev al fundamento de la existencia está guiada por la idea perenne de la relación íntima aunque siempre problemática entre Dios y la Naturaleza.
Las formas en “Presagio y Oráculo” vibran, los colores vibran mientras las líneas negras, que surgen de lo que se asemeja a un núcleo celular, se despliegan para conectar las dos caras de la obra. Así, al principio, la mirada se encuentra con este espectáculo caótico de forma, color y línea que intenta capturar el surgimiento, la resistencia y la fuerza de un núcleo.
Pero el juego magistral de Tsanev con el significado se hace aún más complejo y lleno de matices cuando uno nota la cruz apenas visible encima de lo que parece un núcleo celular y que después de notarlo puede interpretarse como una iglesia surrealista.
Sin embargo, la obra no pretende que el espectador elija entre estos dos posibles significados del centro y las asociaciones que estos conllevan. «Presagio y Oráculo» es una obra que busca mostrar la tensión fundamental inherente a todo intento de reflexionar sobre las potencialidades y la esencia del ser. Es esta tensión la que da origen a la pasión por el conocimiento, la que desata la invención y la curiosidad humanas hacia Dios, hacia la naturaleza, hacia el significado en constante expansión del mundo.
Por esta razón, «El presagio y el oráculo» de Tsanev es un llamado a la participación en la tensión, en la contradicción. Porque solo en la belleza de la paradoja, lo verdadero puede revelar su infinita belleza.
"AMAPOLAS"
Vladimir Dimitrov – Maystora
La fe no es cuestión de la existencia o no de Dios. Es creer que el amor sin recompensa es valioso.
E. Levinas
Uno queda inmediatamente fascinado por la generosidad expresiva de uno de los pintores más célebres de Bulgaria. Aunque Maystora es conocido principalmente por retratos que lo acercan al fauvismo más que al expresionismo, "Amapolas" es sin duda expresionista, pues es una obra de arte vívida, casi vibrante de color.
Aquí, la exquisita técnica de Maystora logra capturar la esencia de una de las flores más simbólicas. Es una esencia que surge de la oscuridad existencial, pues las amapolas eran las únicas flores que crecían en los campos de guerra abandonados. En su núcleo simbólico descansan vidas sacrificadas, vidas arrebatadas, vidas que aún marcan la historia. Y Maystora (1882-1960) fue un artista que sobrevivió a tres guerras y estuvo en el frente en dos de ellas: la Guerra de los Balcanes y la Primera Guerra Mundial.
Así, “Amapolas” puede considerarse una obra con un fuerte componente biográfico. Sin embargo, si nos atenemos a esta interpretación, perderemos de vista la paradoja fundamental inscrita en la vívida representación de esas flores de guerra. Porque “Amapolas” no es una obra oscura. En ella hay una ligereza, una cualidad onírica que recorre la pintura, especialmente en el fondo blanco liso que muestra a las amapolas flotando, como si fueran globos que cruzan cielos despejados. Pero no es una ligereza cruel, una ligereza que celebra el trágico simbolismo de las amapolas y las cicatrices de un artista atormentado.
La verdadera fuerza de la pintura de Maystora, lo que abruma al espectador, es la alegría ilimitada que irradian estas flores ingrávidas. Es una alegría que solo se encuentra en el perdón de algo tan imperdonable como la guerra. «Amapolas» es una obra de gracia.
"Paisaje con casas"
Vasil Barakov
“Subo a las montañas más altas, riéndome de todas las tragedias, ya sean reales o imaginarias”.
F. Nietzsche
Un pequeño pueblo puede ser a menudo un espacio sombrío que alberga nociones anticuadas y aprensiones cerradas sobre el mundo exterior. La obra de Vasil Barakov representa precisamente una ilustración crítica de los aspectos más espiritualmente opresivos de la vida rural. La pintura está envuelta en una oscuridad densa, casi viscosa, que en ciertos puntos obstruye por completo el acceso del espectador a la amplitud del paisaje. Es como si el pueblo se transformara en una aparición fantasmal e irreal de tiempos pasados, consumido por las sombras de las montañas que lo rodean. Esta cualidad inquietante y desconcertante se ve reforzada por la ausencia de personas en el encuadre y por el hecho de que dos de las casas que ocupan los puntos focales de la composición están coloreadas surrealistamente en azul y rojo, lo que sugiere que podría tratarse de la pintura de un recuerdo o un sueño.
Tampoco es casualidad que la única parte de la obra relativamente iluminada sea la ladera de la montaña. Esta es una decisión artística que aprovecha la búsqueda ávida de nuestros ojos de zonas más luminosas para expresar la posibilidad de trascendencia y escape.
Al dejar la aldea y ascender a la montaña, podemos superar el peso de las cargas, los prejuicios y los miedos del pasado. En otras palabras, podemos alcanzar la salvación si somos lo suficientemente valientes como para desafiar los escarpados acantilados de nuestras propias almas.
"Marina"
Georgi Baev
"La luz brilla en las tinieblas, y las tinieblas no la vencieron."
Juan 1:5
Un dibujo del mar nocturno transmite inevitablemente una sensación de inconmensurable profundidad, anhelo y pérdida. Ha transcurrido un día, y la brillante superficie reflectante del agua se ha convertido en un vacío monocromático que abraza en su abrazo submarino el cielo vacío y sin nubes. La arena dorada de la playa ha absorbido la espesa neblina que ha descendido del cielo y cubierto la extensión azul. Y aunque el paisaje marino, extrañamente oscuro, está sumergido en azul y perturbado por formas abstractas negras, la pintura es casi sorprendentemente tranquila e incluso llena de esperanza. Las dos manchas doradas que completan conceptualmente la composición minimalista de la pintura crean la sensación de que, incluso en las noches más vacías, lúgubres y melancólicas, siempre existe la promesa de un nuevo día que llega envuelto en el brillo sublime del sol naciente. Al expresar esta profunda percepción existencial, la obra de Georgi Baev abre una vía para percibir la oscuridad como el horizonte último de la luz, como aquello que será superado por el resplandor de una vida futura. Vista así, la amenazante costa de medianoche se convierte en un espacio de serena reflexión y paciencia. Allí, tarde o temprano, una luz brillante finalmente llegará a la orilla y lo bañará todo de oro.
Boris Kolev Baila
Os digo: hay que tener todavía caos en uno mismo para dar a luz una estrella danzante.
F. Nietzsche
A primera vista, el caos invade la mirada. Un ser disperso se mueve frenéticamente sobre el fondo blanquecino de la obra de Baila.
Pero a medida que el ojo se apropia, a medida que se condiciona con esta fuga bitono, una cierta noción de orden comienza a vislumbrarse a través del incontrolable paisaje abstracto. Es el orden del micronivel, la lógica de un campo cuántico, donde partículas pulsantes, capturadas en negro, se arremolinan y marcan el fondo blanco, hasta que finalmente se hacen visibles en su ser dinámico.
Y al sumergirse en una obra así, se empieza a percibir el viaje del artista a través del sentido común y la revelación de una pincelada hábil que no se conforma con lo ordinario, sino que busca algo más complejo, un continuum más profundo, una lógica paradójica del mundo que se presenta ante los ojos. Así, cuando la obra de Baila confronta la mirada del espectador, muestra una devoción duradera a estos lugares extraños más allá del horizonte, donde el ser se revela como un potencial constante de transformación.
Boris Kolev nos invita a la belleza de lugares tan extraños.
La galería de arte Pulvis consta de más de 100 obras de arte únicas, recopiladas especialmente de todo el mundo.