Galerie d'art Pulvis
Chez Pulvis, nous nous efforçons de créer des formes qui résistent aux épreuves du temps.
Nous croyons que la persévérance face à l'éphémère est le fondement de l'art dans toutes ses manifestations. Ainsi, une œuvre d'art témoigne du courage et de la capacité de chacun à résister à la finalité. Cependant, résister à la finalité ne signifie pas tenter de la surmonter, mais rechercher et capturer sa beauté éphémère dans la forme. Une image, une sculpture, une mélodie, un geste, un mot…
C'est avec cette intention que l'équipe de Pulvis a créé une exposition soigneusement organisée d'œuvres qui partagent notre compréhension de l'essence et de la finalité de l'art. Allant des sculptures et des huiles sur toile aux lithographies et aux photographies, cette galerie nouvellement créée marque le début de la création d'un espace multiforme capable d'incarner notre idéal de protection de l'esprit humain.
Nous croyons que l’art est un grand consolateur et qu’à travers lui, on peut trouver l’humilité nécessaire pour surmonter les nombreux obstacles de la vie.
C'est avec fierté que nous vous présentons la Galerie Pulvis où vous pourrez vous immerger dans les textures, les couleurs et les perspectives et trouver ce fin fil d'argent qui trace le chemin de l'âme vers l'horizon sublime de la vérité.
"ENFANT"
Nikolaï Abrashev
Des larmes, des larmes vaines, je ne sais pas ce qu'elles signifient,
Des larmes du plus profond d'un désespoir divin
« Monte vers le cœur et rassemble vers les yeux… »
Alfred Lord Tennyson
Nikolaï Abrashev s'est inspiré du fauvisme,
Expressionnisme, cubisme et futurisme pour créer son langage artistique unique.
Le portrait présenté ici d'une mère allaitant son enfant est exemplaire
morceau du talent d'Abrashev pour réimaginer les techniques complexes utilisées par certains
les mouvements modernistes essentiels qui ont façonné les incertitudes croissantes d'un
époque prise entre deux guerres mondiales.
Ainsi, à mesure que l'œil déchiffre cette œuvre, composée de divers
des formes géométriques aux couleurs vibrantes et aux bordures nettes qui marquent la surface de la toile,
elle est confrontée à un processus de déconstruction radicale de l'image. Ou à
En d'autres termes, le spectateur est confronté au contenu émotionnel des œuvres d'Abrashev.
travail, qui peut être décrit comme un sentiment de tectonique presque insupportable
frottement, d'une dissonance constante de la forme et de son représentant
possibilités.
De plus, le travail
ne donne pas à l'œil un sens du lieu, un sens de l'endroit où se trouvent la mère et l'enfant
sont. C'est précisément pour cette raison que la tension et la dissonance réussissent à
formulant la déclaration radicale et historique de l'œuvre. C'est un message adressé à un monde qui
est devenu incapable de confiner la réalité dans des catégories rationnelles claires, c'est-à-dire des espaces.
Un moment historique dépourvu d’humanité, de ces douces caresses maternelles qui peuvent
recueillir pieusement les morceaux brisés de l'Être et les nourrir pour les ramener à l'harmonie.
"Blanc"
Kiril Yakimov
Le blanc… n’est pas une simple absence de couleur ; c’est une chose brillante et affirmative, aussi féroce que le rouge, aussi définie que le noir… Dieu peint en de nombreuses couleurs ; mais Il ne peint jamais de manière aussi magnifique, j’aurais presque dit aussi criarde, que lorsqu’Il peint en blanc.
Gilbert Keith Chesterton
Une épaisse peinture blanche recouvre et met en valeur la surface noire cendrée exquise
de la toile créant une figure amorphe, mais suggestive, qui lentement
se désintègre en une bruine d'albâtre qui coule vers le bas, jusqu'aux bords mêmes de
le cadre. C'est comme si l'image elle-même, cette forme formée dans ce qui semble
être une éclaboussure spontanée de latex pur, résiste langoureusement à être confiné
dans les limites de la composition sombre et sombre du tableau. En un sens, Kiril
Yakimov a donné à la peinture blanche la liberté de défier sa propre vision artistique.
Comme dans tout art abstrait étrangement touchant, l'artiste a laissé place à la
les matériaux eux-mêmes pour, en un sens, « parler » et s’orienter librement
dans l'espace esthétique qu'il a créé. L'image étrange, résultant de
l'interaction libre entre la peinture et la toile est subtile et
évoquant étrangement un portrait, voire une icône. Cette figure mystérieuse,
voilé de blanc, apparaît comme fantomatique et impénétrable, mais le spectateur sera
difficile de se débarrasser du sentiment étrange qu'il y a un secret, ou
Une signification plus profonde se cache derrière cette couleur dense et crémeuse. En réalité,
Il n'y a rien en dessous, ni énigme ni révélation. Il ne nous reste que
présence presque brutale et impénétrable de la peinture blanche qui s'étale sans discrimination
enveloppe et transforme tout sur son passage. C'est comme si la lumière ne gagnait pas seulement
sur les ténèbres, il les consume et les anéantit – une leçon inquiétante qui donne
La peinture de Yakimov a non seulement une dimension étrangement apocalyptique, mais aussi
qualité didactique intensément engageante d'une parabole depuis longtemps oubliée.
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Alexandre Balkanski
« Le contact d'un mystère infini passe sur le trivial et le familier, le faisant éclater en une musique ineffable… Les arbres, les étoiles et les collines bleues souffrent d'une signification qui ne peut jamais être exprimée par des mots. »
Rabindranath Tagore
Cette peinture candide révèle une simplicité déconcertante qui séduit et captive le regard, n'utilisant que les figures visuelles les plus minimalistes, les plus épurées et les plus essentielles : le cercle et la ligne. Alexander Balkanski a laissé une large marge de manœuvre pour que son motif envoûtant de formes concises puisse pleinement et fermement se démarquer, sans se perdre dans un paysage abstrait plus grandiose. La concision saisissante de l'œuvre est amplifiée par le papier à dessin brut et d'un blanc oppressant, dont les bords irréguliers délimitent un cadre instable et volontairement précaire. Ce milieu déchiré, aride et laiteux permet aux diverses inflexions formelles du noir et du bleu de surgir et d'interpeller le regard. Quant à la structure et à la composition de ces motifs monochromes hétéroclites, le tableau témoigne avec force de la grande connaissance de Balkanski du fonctionnement dynamique et interne de la forme, ainsi que de la manière dont il peut les exprimer et les illustrer avec habileté. Par exemple, nous pouvons observer comment il a utilisé la peinture noire pour développer une étude brève, mais convaincante et précise, de la largeur et de l'épaisseur, et comment leur modulation affecte la force, l'impact et la présence pure des lignes et des points qui parsèment la toile. Parallèlement, Balkanski a choisi de complexifier cette étude contemplative des différents modes formels et coups de pinceau en centrant toute l'épreuve artistique autour du cercle cyan accrocheur du centre. Ce choix esthétique inspiré confère à l'œuvre une qualité quasi mystique et auto-transcendante qui nous rappelle que l'art abstrait, aussi formaliste soit-il, s'intéresse toujours d'abord à l'ineffable : la prière passionnée et plaintive de l'homme. Nous sommes peut-être incapables de percer le voile du visage désolé du personnage et de déduire précisément à quoi correspond sa supplication muette, mais la façon dont son corps affaissé et ses épaules concaves se tordent nous fait ressentir le fardeau qu'elle porte péniblement sur son dos. De cette façon, la sculpture exprime un sentiment d’abandon total et d’abandon de soi face à un défi insurmontable sans la grâce et la compassion de quelque chose de transcendant.
"Prière"
Lubomir Dalchev
La fonction de la prière n’est pas d’influencer Dieu, mais
plutôt de changer la nature de celui qui prie.
Søren Kierkegaard
La sculpture en céramique d'une crudité saisissante de Lubomir Dalchev évoque une piéta sans le corps du Christ aux pieds de la Vierge Marie accablée de chagrin. On pourrait y voir la représentation pure et simple du deuil d'une mère au cœur brisé ou, comme le suggère le nom du tableau, la prière passionnée et plaintive d'une femme. Nous sommes peut-être incapables de percer le voile du visage désolé du personnage et de deviner à quoi correspond exactement sa supplication muette, mais la façon dont son corps affaissé et ses épaules concaves se contorsionnent nous fait ressentir le fardeau qu'elle porte péniblement sur son dos. Ainsi, la sculpture exprime un sentiment d'abandon total face à un défi insurmontable sans la grâce et la compassion d'une transcendance.
Il est intéressant de noter que les mains de la femme ne sont pas tendues vers le ciel ou vers le ciel, comme on pourrait s'y attendre d'une représentation plus banale d'une prière passionnée. Au contraire, elles tendent mollement la main vers le sol, signe de résignation et de fragilité totales. De plus, sa silhouette rougeâtre est volontairement allongée afin de souligner la difficulté de s'agenouiller humblement et de prier face à une telle souffrance. La tentation est toujours présente de préférer l'orgueil à l'humilité, de se tenir debout face au désespoir, mais la sculpture de Dalchev nous montre qu'il y a de la force à demander de l'aide, à se donner à quelque chose de plus grand.
« Portrait d'Adèle »
Bencho Obreshkov
Le désir de l'homme est pour la femme, mais
le désir de la femme est pour le désir de l'homme.
Madame de Staël
Rappelant la « Femme au grand chapeau » de Kees Van Dongen, le tableau de Bencho Obreshkov est un portrait sombre et intime qui crée une atmosphère sensuelle, tacitement séduisante, qui captive immédiatement le spectateur. L'utilisation, presque fauve, de couleurs fortes et contrastées est subtilement atténuée par les noirs épais qui dessinent le fond expressionniste et sombre. Le regard est enveloppé d'un voile d'ombres sensuelles qui soulignent de manière envoûtante les rouges profonds et suggestifs des lèvres et du pull de cette femme énigmatique. Le chapeau aigue-marine est le seul élément de la composition qui tranche avec les teintes sombres et sirupeuses qui, autrement, envahiraient le tableau et lui donneraient un caractère trop explicite, voire décadent.
En centrant la mise en page de l'œuvre autour de ce bleu plus frais et plus vif, une certaine ambiguïté amoureuse et une distance espiègle s'épanouissent, rendant l'œuvre plus complexe et équivoque. L'équilibre trouvé par Obreshkov entre la représentation de passions sous-marines et une froideur apparente est souligné par le regard de la femme, à la fois espiègle et distant. Ce jeu captivant d'ombres épaisses, de couleurs aux contrastes marqués et d'expressions faciales subtiles fait du « Portrait d'Adèle » une tentative complexe et sophistiquée de dépeindre comment le repli glacial d'un objet désirable peut paradoxalement en renforcer l'attrait.
"Soif"
Boryana Petkova
"Avec soif d'une intelligence sûre,
Et las d'autres passions, j'ai poursuivi
Une nature supérieure… "
Woodsworth
« Soif » de Boryana Petkova est une méditation austère sur le désir et
prière. En surface, le tableau représente simplement une paire de robustes
mains tendues, implorantes et impatientes d'accueillir une gorgée fraîche et revigorante de
l'eau. À un niveau plus profond, cependant, l'œuvre peut être interprétée métaphoriquement
non seulement du point de vue d'un simple besoin biologique, mais aussi à travers la
l'objectif d'une soif existentielle de quelque chose de plus essentiel et de plus profond.
peut aller de l'amour à l'harmonie, ou de la paix à la joie. En fait,
la peinture ne s'intéresse pas à la forme concrète de nos désirs les plus profonds, mais
avec notre relation à ce qui les structure – le manque de soi. Petkova a réussi
pour capturer tout le drame du désir, de l'attente patiemment et de la prière pour
l'apparition de quelque chose qui peut étancher notre soif de vrai
satisfaction.
"CONTEMPLER"
Kiril Yakimov
« Un créateur est quelqu’un qui crée ses propres impossibilités et crée ainsi des possibilités. »
G. Deleuze
Il y a une question fondamentale qui anime la plupart des œuvres de Yakimov et leur donne leur attrait spécifique que l'on éprouve lorsqu'on est confronté à de telles peintures abstraites.
C'est l'interaction constante, parfois étrange, entre l'arrière-plan et le premier plan qui fonde le désir créatif de Yakimov. Et le cas de « Contemplate » présenté ici ne fait pas exception. Le titre même de l'œuvre le suggère. Le spectateur est invité à contempler, mais aucun objet ne le laisse contempler. À la surface, seuls des débuts épars apparaissent. Des traits qui ne mènent nulle part, une ligne abruptement terminée comme pour marquer une possible frontière, une tache blanche lasse, des gouttelettes de peinture rouge et noire créant un motif nerveux, précisément de l'absence qui a capturé l'œuvre.
Mais ce n’est qu’une apparence.
Alors que l'injonction vivifiante du titre incite l'esprit à explorer le tableau, on commence à apercevoir le fond sur lequel pinceaux, points et taches dispersés sont soigneusement disposés. Il s'agit en réalité d'une photographie d'un mur qui retient les tentatives dispersées de la main de Yakimov. Un étrange agrandissement révèle les incohérences, les fractures d'une surface. Cependant, c'est la précision de l'œil mécanique qui a capté les imperfections du mur et les a transformées en surface picturale qui révèle le sens de « Contempler ». Ainsi, l'œuvre de Yakimov se révèle comme une expérimentation des possibilités de l'art pour créer des doubles d'une étrange beauté – une photographie de la surface, servant de support à une œuvre d'art potentielle.
« Contemplate » est un défi qui attire l'attention du spectateur sur les illusions d'optique et le jeu des arrière-plans et des environnements dans lesquels les personnages s'inscrivent. Cette œuvre nous invite à rechercher constamment les différences, les nuances et les belles incohérences.
« Présage et Oracle »
Stoyan Tsanev
Son étrangeté tient, pourrait-on dire, à sa réalité même, au fait même qu'il existe. L'interrogation sur l'Être est une expérience de l'Être dans son étrangeté.
E. Levinas
« Présage et Oracle » de Stoyan Tsanev est une démonstration virtuose de son habileté à extraire des images riches et à poser des questions essentielles sur les conditions de l'être.
Ici, l’approche de Tsanev envers le fondement de l’existence est guidée par l’idée pérenne de la relation intime mais toujours problématique entre Dieu et la Nature.
Les formes de « Présage et Oracle » vibrent, les couleurs vibrent tandis que les lignes noires, issues de ce qui ressemble à un noyau cellulaire, se déploient pour relier les deux faces de l'œuvre. Ainsi, le regard est d'abord frappé par ce spectacle chaotique de formes, de couleurs et de lignes qui tente de saisir l'émergence, la résistance et la force d'un noyau.
Mais le jeu magistral de Tsanev avec le sens devient encore plus complexe et plein de nuances quand on remarque la croix à peine visible au sommet de ce qui ressemble à un noyau cellulaire et qui, après l'avoir remarqué, peut être interprété comme une église surréaliste.
Cependant, l'œuvre ne propose pas au spectateur de choisir entre ces deux significations possibles du centre et les associations qu'elles véhiculent. « Présage et Oracle » est une œuvre qui cherche à révéler la tension fondamentale inhérente à toute tentative de réflexion sur les potentiels et l'essence de l'être. C'est cette tension qui nourrit la passion du savoir, qui libère l'invention humaine et la curiosité envers Dieu, la nature et le sens toujours plus vaste du monde.
C'est pourquoi « Présage et Oracle » de Tsanev est un appel à la participation dans la tension, dans la contradiction. Car c'est seulement dans la beauté du paradoxe que le vrai peut révéler son infinie beauté.
"COQUELICOTS"
Vladimir Dimitrov – Maystora
« La foi ne se résume pas à l'existence ou à la non-existence de Dieu. C'est croire que l'amour sans récompense a de la valeur. »
E. Levinas
On est immédiatement fasciné par la générosité expressive de l'un des peintres bulgares les plus célèbres. Bien que Maystora soit principalement connu pour ses portraits qui le rapprochent davantage du fauvisme que de l'expressionnisme, « Coquelicots » est assurément expressionniste, car c'est une œuvre d'art vive, presque vibrante de couleurs.
Ici, la technique exquise de Maystora parvient à capturer l'essence de l'une des fleurs les plus chargées de symboles. Car cette essence naît de l'obscurité existentielle, car les coquelicots étaient les seules fleurs à pousser sur les champs de bataille abandonnés. Au cœur de leur essence symbolique reposent des vies sacrifiées, des vies arrachées, des vies qui souillent encore l'histoire. Et Maystora (1882-1960) était un artiste qui a survécu à trois guerres et a été au front lors de deux d'entre elles : les guerres des Balkans et la Première Guerre mondiale.
Ainsi, « Coquelicots » peut être considéré comme une œuvre à forte composante biographique. Cependant, si l'on s'en tient à cette interprétation, on passe à côté du paradoxe fondamental inscrit dans la représentation saisissante de ces fleurs de guerre. Car « Coquelicots » n'est pas une œuvre sombre. Il y règne une légèreté, une qualité onirique qui imprègne le tableau, notamment sur le fond blanc uni qui montre les coquelicots flottant, tels des ballons traversant un ciel dégagé. Mais il ne s'agit pas d'une légèreté cruelle, d'une légèreté célébrant le symbolisme tragique des coquelicots et les cicatrices d'un artiste tourmenté.
La véritable force de la peinture de Maystora, ce qui submerge le spectateur, c'est la joie infinie qui émane de ces fleurs légères. Une joie que l'on ne trouve que dans le pardon d'une chose aussi impardonnable que la guerre. « Coquelicots » est une œuvre de grâce.
"Paysage avec des maisons"
Vassil Barakov
« J'escalade les plus hautes montagnes, me moquant de toutes les tragédies, qu'elles soient réelles ou imaginaires. »
F. Nietzsche
Un petit village peut souvent être un espace sombre, abritant des idées dépassées et des appréhensions fermées sur le monde extérieur. L'œuvre de Vasil Barakov illustre parfaitement les aspects les plus oppressants de la vie rurale, sur le plan spirituel. Le tableau est plongé dans une obscurité épaisse, presque visqueuse, qui, par endroits, obstrue complètement l'accès du spectateur à l'étendue du paysage. On dirait que le village se transforme en une apparition fantomatique et irréelle d'un temps révolu, absorbé par l'ombre des montagnes qui l'entourent. Ce caractère étrange et saisissant est renforcé par l'absence de personnes dans le cadre et par les couleurs surréalistes bleues et rouges de deux des maisons occupant les points focaux de la composition, suggérant qu'il pourrait s'agir d'un souvenir ou d'un rêve.
Ce n'est pas un hasard si la seule partie de l'œuvre relativement baignée de lumière est le flanc de la montagne. Ce choix artistique exploite la quête affamée de nos yeux pour des zones relativement plus lumineuses afin d'exprimer la possibilité de transcendance et d'évasion.
En quittant le village et en gravissant la montagne, nous pourrons peut-être surmonter le poids des fardeaux, des préjugés et des peurs du passé. En d'autres termes, nous pourrons atteindre le salut si nous osons braver les falaises abruptes de notre âme.
"Paysage marin"
Georgi Baev
« La lumière brille dans les ténèbres, et les ténèbres ne l’ont pas vaincue. »
Jean 1:5
Un dessin de la mer nocturne évoque inévitablement une profondeur incommensurable, un désir et un sentiment de perte. Un jour s'est écoulé, et la surface brillante et réfléchissante de l'eau s'est transformée en un vide monochrome, s'enfonçant dans son étreinte sous-marine dans le ciel vide et sans nuages. Le sable doré de la plage a absorbé l'épais brouillard descendu du ciel et recouvert l'étendue bleue. Et bien que le paysage marin étrangement sombre soit submergé de bleu et troublé par des formes abstraites noires, le tableau est d'une tranquillité presque surprenante, voire empli d'espoir. Les deux taches dorées qui complètent conceptuellement la composition minimaliste du tableau créent le sentiment que, même pendant les nuits les plus vides, les plus mornes et les plus mélancoliques, la promesse d'un nouveau jour se profile, baignée par l'éclat sublime du soleil levant. En exprimant cette vision existentiellement puissante, l'œuvre de Georgi Baev ouvre la voie à une perception de l'obscurité comme horizon ultime de lumière, comme ce qui sera surmonté par le rayonnement d'une vie à venir. Vue sous cet angle, la côte menaçante de minuit devient un espace de réflexion paisible et de patience. Là, tôt ou tard, une lumière éclatante finira par s'abattre sur le rivage et par tout baigner d'or.
Boris Kolev Baila
Je vous le dis : il faut encore avoir du chaos en soi pour donner naissance à une étoile dansante
F. Nietzsche
Au premier regard, le regard est envahi par le chaos. Un être dispersé se déplace frénétiquement sur le fond blanc cassé de l'œuvre de Baila.
Mais à mesure que l'œil s'approprie cette fugue bicolore, une certaine notion d'ordre commence à se dessiner à travers ce paysage abstrait incontrôlable. C'est l'ordre du micro-niveau, la logique d'un champ quantique, où des particules pulsantes, capturées en noir, tourbillonnent et marquent le fond blanc, pour finalement devenir visibles dans leur être dynamique.
Et en s'immergeant dans une telle œuvre, on commence à percevoir le cheminement de l'artiste à travers le sens commun et la révélation d'un trait habile qui ne se satisfait pas de l'ordinaire, mais cherche quelque chose de plus complexe, un continuum plus profond, une logique paradoxale du monde qui s'offre à nos yeux. Ainsi, lorsque l'œuvre de Baila confronte le regard du spectateur, elle témoigne d'une dévotion durable pour ces lieux étranges au-delà de l'horizon, où l'être se révèle comme un potentiel constant de transformation.
Boris Kolev nous invite à la beauté de ces lieux étranges.
La galerie d'art Pulvis se compose de plus de 100 œuvres d'art uniques, spécialement rassemblées dans le monde entier.